HORARIO DIARIO:
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20h00 |
JUEVES Y SÁBADOS
ABIERTO SOLO DE MAÑANA
DOMINGOS CERRADO |
Calle San Sebastián nº 1
12500 Vinaròs (Castellón)
Tel: 964 45 42 14 |
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REPORTAJES, APANTALLAMIENTOS, CAMBIO DE PASTILLAS, CONSEJOS, ETC... |
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La experiencia en este sector nos viene dada
desde el año 1979, fecha en la cual, los fundadores de esta empresa
hacen ya sus pinitos como músicos, tocando en diferentes grupos de rock
de Barcelona, y no es hasta el año 1993 que por fin nace
El Rastro Musical, tienda de
instrumentos musicales especializada en dar cobertura al músico moderno,
tanto aficionado como profesional.
Nuestra primera ubicación en el año 1993 fue
en la calle Santos Médicos 17, y desde 2007, nuestra tienda se ubica en
la Calle San Sebastián nº 1 de la localidad de Vinaròs, último pueblo de
la provincia de Castellón, fronterizo con poblaciones de Catalunya, como
son Alcanar, Sant Carles de la Rápita, Amposta, Tortosa, Reus o
Tarragona, entre muchos otros.
El tiempo que separa todas las fechas
anteriores, hace que seamos conocedores de las necesidades del músico de
hoy, y por ello intentamos ofrecerle lo mejor, tanto en cuestión de
marcas, de producto, pero sobre todo de servicio,
En esta página, solo publicaremos nuestros
artículos expuestos en nuestra tienda virtual de
REVERB, y desde la que se podrán realizar compras online
de algunos de nuestros productos que incluso pueden ser contra
ofertados, lo que hace especialmente atractiva la compra.
Esperamos y deseamos que vuestra experiencia
con nosotros sea provechosa y estaremos encantados de atenderos. |
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Muchas veces, sin darnos cuenta, llamamos
ciertos objetos por un nombre que acaba siendo una marca, (nadie hoy en día
llama a los pañuelos de papel por su nombre, sino por su marca, es decir,
"Pásame un Kleenex"). En el lenguaje y argot que hace referencia al mundo de
la música existe mucho de esto, "ponme unas Ernie Ball, pásale
Fast Freet
a las cuerdas, y un largo etc...", Lo curioso de esto es conocer las
personas que están detrás de estas marcas que nos son tan familiares, y
conocer un poco de su historia.(cuantas veces decimos, yo toco con una
LesPaul o con una Fender, sin recordar que son los apellidos de
las personas que dieron nombre a sus instrumentos.) De ahí, nace esta sección que esperamos
os guste, e invitamos a que nos contéis anécdotas que puedan escapársenos a
nosotros, para publicarlas en esta sección.
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Fender Telecaster 50´ Classic |
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Fender Stratocaster 60´Classic |
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LEO FENDER |
Clarence Leonidas Fender,
nacido el 10 de agosto de 1909 en la granja de sus padres en Anaheim,
en el estado de California, y muere el 21 de marzo de 1991. Él,
ha sido para el mundo de la música moderna una de las personas más
importantes y que más ha aportado, no solo en el proceso de creación, sino
también de la innovación (Broadcaster, Telecaster, Stratocaster, G&L,
Musicman, etc..). Aunque congeniaba a las mil maravillas con sus amigos músicos y
les dedicaba su vida, Leo no era músico. Su gran amigo George Fullerton
(más adelante socio y fundador de G&L) sí lo era.
George tocaba la guitarra en un grupo local de country llamado Wint Nickles
and the Gold Coast Rangers.
Un día, George le planteó a Leo los problemas que tenía con el mástil de la
guitarra. Juntos examinaron detenidamente la guitarra y llegaron a la
conclusión de que el mástil estaba mal y que tendrían que cambiarlo. En
aquel entonces, si una guitarra tenía un mástil defectuoso, tenían que
enviarla al fabricante porque no había muchos luthiers cualificados que
pudieran efectuar una reparación en condiciones; así que enviaron la
guitarra al fabricante y pasaron varios meses antes de que se la
devolvieran.
Durante este tiempo, George tenía que pedir prestada una guitarra a sus
amigos para poder tocar; si no la encontraba, los Rangers no podían actuar.
Después de escuchar las quejas de George sobre su situación, Leo dijo: "¿Por
qué diablos no atornillan sin más el maldito mástil y luego te envían uno
nuevo? Así podrías arreglarte con el que tienes mientras llega el nuevo".
Así pues, se pusieron a pensar y a darle vueltas a la idea de una guitarra
eléctrica con un pasador en el mástil. Entre tanto, Leo pensó que si la
guitarra iba a amplificarse con mucho volumen, sería mejor que el diseño de
la caja fuera macizo en lugar de hueco. Después de todo, veía que las
guitarras "lap steel" macizas producían menos realimentación que las
guitarras de caja hueca como la de George.
Pasó un año hasta que Leo y George desarrollaron el primer prototipo de
guitarra válido, modelo que fueron perfeccionando hasta que conseguir la
Broadcaster®, más tarde rebautizada como Telecaster®.
Estos dos hombres, con la ayuda de otra gente importante, diseñaron los
instrumentos más revolucionarios, corno la Stratocaster y el Precision Bass,
para ir dando forma a la música moderna tal y como la conocernos. Los
amantes de estos instrumentos, a veces nos preguntamos de donde salieron
tales nombres para bautizar las guitarras que tanto admiramos. Uno de los
casos más curiosos y que demuestra la cualidad visionaria de Leo Fender es
el caso de la renombrada Telecaster, nombre que le dio tras darse cuenta que
la televisión iba a revolucionar el mundo y de ahí que decidió llamarla
TELEcaster.
LEO VENDE SU PRIMERA COMPAÑIA
En 1965, Leo vendió la firma Fender a la División de Instrumentos
Musicales de CBS. Su salud se resentía y los médicos le recomendaron que
dejara los negocios. Muy a su pesar, Leo accedió y procedió a la venta. En
los términos del contrato se estableció que Leo seguiría siendo asesor de
Fender durante 5 años, y que no competiría directamente con Fender durante
una década. De esta forma, no podría emprender otra actividad relacionada
con la fabricación de guitarras durante todo ese tiempo.
LA
FUNDACIÓN DE CLF RESEARCH
En un par de años, la salud de Leo mejoró, y en 1970 adquirió una
gran extensión de terreno próxima a la factoría Fender; una de las calles
limítrofes de la finca recibió el nombre de Fender Avenue. En estos terrenos
construyó una serie de edificios como inversión inmobiliaria, aunque
conservando varios para sí, donde creó la firma de consultores CLF Research,
las siglas hacen referencia a Clarence Leo Fender. Su buen amigo y asociado,
George, se unió a él. (Ver historia de G&L más abajo)
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ORVILLE GIBSON |
Orville H.
Gibson nació en 1856 en Chatteagay, Nueva York,
pero le trasladan de niño a Kalamazoo Michigan, donde trabajo en un
restaurante. Desde joven le
encantó la música y cualquier trabajo que tuviera que ver con la madera,
esto le empujó a hacerse con un pequeño taller de carpintería. Fueron muy
pocas las guitarras y mandolinas que el mismo construyó, hoy en día son
consideradas verdaderas obras de arte, ya que su construcción se basaba en
dar forma a la madera a base de tallarla y no de doblarla. En 1874 nace la "Gran Gibson", obra de
Orville Gibson y pionera de lo que ahora conocemos como guitarra de
caja. En 1902 se forma la compañia Gibson Mandolin - Guitar
Manufacturing Company que montó con 5 socios de Kalamazoo: John Adams,
Samuel Van Horn, Sylvo Reams, Lewis Williams y Leroy
Hornbeck. Orville Gibson no quiso seguir como socio, sino que solo
exigió que se mantuviera su nombre. La firma Gibson cogió fama gracias a
estos cinco socios y sin su creador. Es en 1915 que la factoría
Gibson esta ya consolidada, pero desgraciadamente Orville Gibson pierde el
juicio y es internado en un hospital psiquiátrico de Nueva York, donde muere en agosto
de 1918. En 1919 aparece quien continuaría la obra de Gibson,
Lloyd Loar. La Factoría Gibson fue la pionera de la guitarra acústica de tapa curva (la
L-5 en 1923)
y de la guitarra eléctrica de caja hueca (la ES-150 en 1936),
justo después de sacar en 1935 la super 400, guitarra
emblemática de Gibson. Sin embargo,
su incursión en el campo de las guitarras eléctricas de cuerpo macizo llegó
más tarde, después de que Fender presentara la Broadcaster
(actual Telecaster), y se debió en gran parte al ilustre Les Paul.
(ver historia más abajo). La guitarra Española había nacido muchísimos años
antes que aparecieran los primeros modelos de caja y acústicas. De hecho
Gibson nombro sus más famosas guitarras con las siglas ES que
significan "Electric Spanish". Gibson construía guitarras
de tapa curva y orificios en forma de F (violin) que lograban darle a
la guitarra un sonido potente, muy de agradecer en una época donde la
guitarra eléctrica aun estaba por desarrollarse. Es en 1936 que hace
su aparición la primera eléctrica con el modelo conocido como ES 150,
pero es en 1933 que un tal Walter Fuller hace su aparición en
la historia de Gibson, siendo su misión, electrificar guitarras acústicas de
tapa arqueada. De ahí salen las pastillas que adornarían la famosa ES
150. Pero es un tal Charlie Christian, famoso guitarrista de jazz de
aquella época y que colaboro con Fuller en el desarrollo del sonido acústico
electrificado, el que le dio nombre a la pastilla, y que muchos guitarristas
de jazz denominan esta guitarra como la ES 150 "Charlie Christian".
Charlie murió a la temprana edad de 26 años. En 1942, con el comienzo
de la 2ª guerra mundial y la muerte de Charlie Christian, se ve truncada la
investigación y queda aplazada a una década más tarde. Entre tanto, en 1944
Gibson es absorbida por la compañía de Maurice Berlin, la Chicago
Musical Instrument Company.
Pero fue en 1946
cuando la visita de un músico apodado Les Paul cambiaria el curso de
la historia de Gibson. |
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Gibson LesPaul custom de 1954 |
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LES PAUL |
Lester William Polfus apodado como Les Paul,
era un músico conocido como
Rhubarb Red. Nació en Junio de 1915 y
fue en 1946 cuando realizó una visita a Gibson que cambio el curso de
la historia de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Todo comienza con uno
de sus
experimentos de fin de semana con la «tronco» en la factoría
Epiphone, Les Paul ofreció sus ideas a Gibson, pero la compañía no se
mostró interesada; rechazaron su prototipo diciendo que era «un palo de
escoba con una pastilla». Pero en 1950 volvieron a llarnarle y le
firmaron un contrato, comprometiéndose a pagarle royalties por cada guitarra
eléctrica que la compañía fabricase llevando su nombre. Así, Les Paul pudo
continuar en Gibson sus ideas, llegando a desarrollar cincuenta o sesenta
prototipos de guitarras, hasta que encontró un diseño que le dejara
satisfecho. Finalmente, en 1952 se inició la producción de la «Gibson
Les Paul». Al principio, Maurice Berlin, el presidente de la
compañía, pensaba que se debería llamar simplemente «Les Paul», y que el
nombre «Gibson» no debía aparecer, para que la empresa no perdiera
reputación si fallaba la operación. Pero pronto cambió de idea: «Tal vez
debamos poner el nombre Gibson, por si sale bien». El tiempo le dio la
razón. Les Paul quería que las guitarras pudieran sostener naturalmente una
nota durante 20 segundos, y por eso las hizo relativamente pesadas. La caja
era de caoba maciza, con una «tapa» delantera de arce, de 12 mm de grosor.
El perfil tallado de la tapa fue una idea de Gibson para que las guitarras
fueran difíciles de copiar.
En 1962 expiró el contrato de Les Paul con Gibson.
Ocupado con su divorcio de Mary Ford, decidió que no quería seguir
trabajando con guitarras durante algún tiempo, y comentó con disgusto las
guitarras «Les Paul» que Gibson siguió haciendo sin poner su nombre en
ellas. Pero en 1967, cuando los músicos de rock empezaron a pagar miles de
dólares por las guitarras Les Paul de 1957-1960, habló
nuevamente con Maurice Berlin y volvió a participar en el diseño de
guitarras Gibson.
La Gibson Les Paul original de 1952 tenía dos
pastillas de bobina única, de alta impedancia, con tapas de color crema.
Estaban conectadas a un conmutador de tres posiciones, y había controles
separados para el tono y el volumen.
Al principio, Les Paul incluyó sus característicos puente y cordal en
forma de trapecio, pero esto ocasionaba problemas, y en 1955 se
sustituyeron por el nuevo sistema de puente y cordal "Tune-O-Matic"
ajustable.
En 1957, se cambiaron las pastillas de bobinado único por las nuevas
"hurnbuckers" de doble bobinado, creadas por Seth Lover y
Ted McCarty. Hasta
1960, a estas pastillas se las llamaba "PAF" (Patent Applied
For). Las Gibson Les Paul de este periodo, 1957-1960, son guitarras
cotizadísimas. Muere en agosto del 2009 a los 94 años de edad. |
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G&L |
DOS HOMBRES LEGENDARIOS
La historia de G&L Musical Instruments no puede contarse sin
empezar por el principio, cuando George Fullerton conoció a Leo Fender. La
"G" de G&L viene de George y la "L" de
Leo. Estos hombres fundaron G&L
Musical Instruments en 1980, aunque la historia real empieza el
4 de julio
de 1947, cuando se conocieron en la feria de Fullerton, una pequeña y
tranquila localidad del sur de California.
George y Leo ya habían oído hablar el uno del otro porque ambos se dedicaban
a lo mismo: los dos tenían una tienda de reparación de radios, cada uno en
un extremo de la ciudad. Se conocieron, simpatizaron y ahí quedó la cosa.
Más tarde, Leo se introdujo en el negocio de los amplificadores para
guitarras "lap steel", muy populares por entonces en aquella localidad
rural. Las bandas que pasaban por Fullerton contaban a menudo en sus filas
con guitarristas de lap steel, y la experiencia de Leo montando radios le
ayudó a diseñar pequeños amplificadores. Al mismo tiempo que empezaba a
construirlos, le pidieron que también reparara las guitarras. Leo pensó que
incluso podía construirlas y vendérselas a los músicos itinerantes.
Resultó que la parte musical del negocio de Leo creció mucho más rápidamente
que la parte dedicada a la reparación de radios, y le preguntó a George si
le interesaría trabajar para él. A George le gustó la idea y aceptó la
oferta.
LOS COMIENZOS DE MUSIC MAN
Poco tiempo después, algunos de los antiguos colegas de Leo le
encargaron que diseñara y fabricara una línea de guitarras, bajos y
amplificadores bajo el nombre de Music Man®. Leo no participaría en
la propiedad de Music Man, por lo que no rompía el acuerdo con la CBS. Fue
en las instalaciones de CLF Research donde se puso en marcha el diseño y
fabricación de los instrumentos y amplificadores Music Man, incluido el hoy
popular bajo Stingray®.
LEO AND GEORGE PONEN EN MARCHA G&L
A finales de 1975 expiró el acuerdo con la CBS. Leo decidió
entonces, junto con su íntimo amigo George, crear su propia marca de
guitarras y bajos. Como Leo ya disponía de instalaciones de producción y
artesanos cualificados, iniciaron los preparativos para crear G&L Musical
Instruments, constituida formalmente en 1980.
Leo y George ya habían patentado varios diseños novedosos y desarrollado
algunos instrumentos de características revolucionarias, que pronto serían
adoptados por músicos de todo el mundo. Entre las más conocidas se
encuentran el Trémolo Dual Fulcrum®, el puente fijo Saddle Lock®, el diseño
de mástil Bi-Cut® y la pastilla Magnetic Field®. Estos elementos son
muestras de la inmejorable precisión, sonido y fiabilidad de los
instrumentos G&L. Además, utiliza exclusivamente las mejores maderas armónicas
tradicionales, algunas de ellas procedentes de proveedores en los que Leo
había confiado durante décadas. De hecho, algunos de ellos continúan
enviando facturas a la factoría de G&L, a la atención de Mr. C.L. Fender.
G&L no utiliza cualquier tipo de fresno, sino fresno de los pantanos de Louisiana; utiliza
aliso norteño, arce 'hard rock' canadiense, palisandro
indio, y ébano y caoba africanos. Antes de pasar a producción, la madera se
almacena durante varios meses en una sala de curación que G&L tiene en sus
instalaciones. Por ejemplo, el especialista de madera de G&L prefiere
envejecer el palisandro brasileño durante 6 meses antes de que pase a
producción. Aún más impresionante es el hecho de que la provisión de caoba
de G&L es lo suficientemente grande corno para que la caoba de algunos
modelos haya sido curada durante más de 8 años antes de ser utilizada.
G&L:
LOS INSTRUMENTOS MUSICALES MÁS ARTESANALES DEL MUNDO
El uso exclusivo de las mejores maderas armónicas existentes es
tan sólo el principio de un hermoso instrumento G&L. La mayoría de los
métodos de producción de G&L tienen su origen hace 35 ó hasta 50 años, y
aplican las técnicas artesanales creadas por Leo. Tales métodos, de
requisitos temporales tan extensos, junto con la pericia y la meticulosidad
de los artesanos musicales, son los que han hecho de los instrumentos G&L
los más depurados de la historia profesional de Leo. Gran parte del
instrumental utilizado por Leo en los años 50 y principios de los 60 fue
objeto de una fiel reproducción a fin de que los artesanos de G&L
consiguieran el elevado nivel de calidad que Leo exigía, siendo ésta una de
las razones por las que los instrumentos Fender de la primera época alcanzan
una estima tan alta entre los coleccionistas. Sin duda alguna, los
instrumentos G&L son la culminación de un talento técnico y una atención al
detalle que se extendió durante más de medio siglo.
G&L EN LA ACTUALIDAD
Leo Fender falleció un lluvioso día de marzo de 1991. El suceso
conmovió al mundo de la música: nos había dejado el padre de la música
moderna. Ese mismo día, Leo completaba su último prototipo de instrumento y
declaraba a su esposa Phyllis que ya había dado cuanto podía a los músicos
del mundo.
Antes de morir, quiso asegurarse de que el legado de G&L continuaría
brillando en el futuro. Sabía que debía cuidar al personal de G&L, su
familia, y que ellos debían sentirse seguros y libres para seguir fabricando
las mejores guitarras y bajos de mundo.
Su
esposa Phyllis compartía su sueño y eligió a BBE Sound, con John C. McLaren
a la cabeza, para hacerse cargo de la dirección de G&L, así como de su
ampliación y desarrollo en la forma que habría querido Leo. Éste, que
profesaba un enorme respeto por John, había iniciado algunos años antes las
conversaciones y confiaba en que John podría hacer realidad los sueños de
futuro que él tenía para G&L, de la que se sentía tan orgulloso. John
compartía la visión de G&L como fabricante de instrumentos artesanales que
encarnaran 50 años dedicados a la innovación en el diseño de instrumentos.
Se dispuso todo para que la propiedad fuera transferida a la compañía de
John, BBE Sound. George Fulierton permanece como asesor vitalicio y la
esposa de Leo, Phyllis, como Presidenta Honoraria de G&L, recordando ambos
al mundo que el espíritu y la integridad de Leo Fender seguirán latentes en
todos y cada uno de los instrumentos que se construyan en G&L.
Hoy, la factoría G&L continúa la producción como Leo deseaba. Su taller
particular permanece tal y como lo dejó el último día que trabajó en él, y
numerosas personas del mundo de la música se han acercado a visitarlo desde
todas las partes del mundo. No hay ordenadores ni robots de los que fabrican
guitarras con mucha precisión, pero sin ningún espíritu. La gente de G&L, su
gente, prosiguen la creación artesanal de los instrumentos G&L con cariño,
dedicación y talento. Leo decía: "Las guitarras y los bajos G&L son los
mejores que jamás he hecho". Preservando la singularidad de G&L y respetando
la visión de su creador, John C. McLaren , dijo: "G&L estará siempre
dispuesto a introducir cambios. Leo Fender ha sido un símbolo de innovación
y evolución en beneficio de los músicos. Pero ante cualquier consideración
de cambio, debemos preguntarnos antes: ¿habría estado Leo de acuerdo? Si la
respuesta es afirmativa, entonces adelante, si es negativa, lo dejamos.
Queremos tener en todo momento la sensación de que Leo estaría orgulloso de
cómo es G&L en la actualidad'.
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RICKENBACKER |
La historia de
Rickenbacker se remonta al año 1931 en los Ángeles (U.S.A),
de la mano de George Beauchamp, un guitarrista de steel guitar
que se planteó qué podría hacer para que el instrumento se escuchara sobre
los del resto de la banda en la que él tocaba. Ya anteriormente había
hecho incursiones dentro de la incipiente ciencia de la electrónica con
simples bobinas y el motor de una lavadora, en un intento de crear una
pastilla capaz de amplificar el sonido de una cuerda de guitarra. Finalmente
en 1930, usando un par de imanes y una bobina, consiguió el sonido que
ansiaba. Un amigo de Beauchamp, Harry Watson, fue el encargado de
construir el diapasón y el cuerpo de lo que sería la primera guitarra
eléctrica, la "Frying Pan" que anecdóticamente causo muchos problemas en la
oficina de patentes, ya que no sabían bien si inscribirla como instrumento
musical o como aparato electrónico. en aquel entonces no había categoría que
pudiera incluir éstas dos. Durante sus experimentos, Beauchamp había contado
con la ayuda de Adolf Rickenbacker , un habilidoso ingeniero de
producción experimentado en técnicas de manufacturación. Juntos, el día 15
de octubre de 1931, crearon una compañía para producir las primeras guitarras
eléctricas, la "Electro String Instrument Corporation" que, tras una breve
expansión empezó a manufacturar otros tipos de instrumentos como mandolinas,
violines, cellos, e incluso un prototipo de piano eléctrico. Estos
instrumentos estaban diseñados para ser utilizados conjuntamente con
amplificadores, que la misma compañía había ayudado a desarrollar.
Tras la
muerte de Beauchamp, Adolph Rickenbacker continuo trece años más con la
compañía, pero la etapa moderna de las guitarras Rickenbacker empezó en
1953, cuando Francis C. Hall adquirió la empresa. Durante los
primeros años de la década de los 50 se produjeron los cambios más
significativos de la industria musical. F.C. Hall encargó a Roger
Roasmeisl, diseñador europeo, la producción de la serie "combo" de
cuerpo sólido y en 1958 las innovadoras "CAPRI", que podían
ser suministradas con o sin vibrato, dos o tres pastillas y diapasón
estándar o de lujo. En los años 50, Rick Nelson promocionó algunos
modelos de Rickenbacker. Él y su guitarrista, James Burton, probaron
los prototipos y aportaron una valiosa información que serviría para la
futura generación de guitarras de cuerpo hueco.
Fue diez años más tarde cuando se empezó a asociar el
nombre de Rickenbacker con el del mayor fenómeno musical del siglo XX:
THE BEATLES. Los instrumentos que utilizaron los chicos de Liverpool se
convirtieron en leyendas. John Lennon poseía una de doce cuerdas que
fue especialmente construida para él. Paul Mc Cartney usaba un bajo
4001 estéreo de dos pastillas y George Harrison tenía dos
versiones diferentes de la 360 de doce cuerdas. Fue éste el modelo de
guitarra que Roger McGuinn utilizó en los primeros álbumes de los
Byrds, tras haberse enamorado de la guitarra que George Harrison tocaba
en "A Hard Day´s Night".
Durante los años 60, el sonido del rock era el sonido
Rickenbacker. Todos los modelos de Rick han ido avanzando y se han añadido
otros nuevos durante los años 70, 80 y 90 hasta hoy, en que encontramos las
nuevas creaciones, la guitarra "Dakota" y el bajo "Cheyenne",
presentados en la feria de Frankfurt de 1993. Por su construcción,
los modelos de Rickenbacker gozan del status que solo una leyenda puede
tener. Su perfección en los acabados y la precisión de sus mecanismos hacen
de estos instrumentos algo realmente único. Todos los productos de
Rickenbacker están construidos a mano, de principio a fin, la habilidad de
los artesanos que construyen, y la calidad de sus componentes son la mayor
garantía que se puede ofrecer. La selección de la madera es la primer paso.
Es un largo proceso que conjuga la experiencia y el cuidado, con la
responsabilidad que supone elegir una calidad constante en cada instrumento.
Los mástiles y cuerpos son de arce del tipo Eastern Rock, en los que se han
torneado previamente unas cavidades sonoras que son las que hacen que el
sonido resulte uniforme. En el incrustado de los trastes en los diapasones
de palo de rosa tampoco se usan máquinas, sino que es otro proceso manual
que asegura la colocación exacta de cada uno de ellos y su extrema duración.
Antes del pintado, cada instrumento es sometido al largo proceso de lijado a
mano, en el que se utilizan finísimos papeles de lija de forma progresiva
para asegurar un acabado perfecto. El pintado y encerado es el siguiente
paso. Este proceso también es realizado a mano con sumo cuidado y además,
mientras otras compañías emplean alrededor de quince minutos en ello, no hay
instrumento de Rickenbacker en el que se emplee menos de una hora y cuarto.
el resultado salta a la vista, no existe un acabado igual. Por ultimo, la
instalación electrónica en la que experimentados ingenieros colocan a mano
cada puente, pastilla, clavija y conexionado. Todo es ajustado con máxima
precisión, este es el único camino para llegar a una verdadera obra de arte. |
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ERNIE BALL 1930 - 2004 |
LOS INICIOS DE ERNIE BALL
En 1958 Ernie
Ball abrió una tienda pequeña música en Tarzana, a unas pocas millas de
Hollywood y fue la primera que se especializó sólo en la venta de guitarras
porque era lo único en lo que quería especializarse. Sus clientes
fueron, no obstante, los responsables de que Ernie comenzara a tener una
reputación más allá de Tarzana. Uno de sus primeras inquietudes en su época
en la tienda era la dificultad que tenían los estudiantes para presionar la
tercera cuerda del juego más popular que se comercializaba; el Fender *100
Medium. La tercera
cuerda a diferencia de las estándares actuales tenía un calibre de .029 y
ocasionaba molestias en los jóvenes estudiantes. Ernie llamó a
su representante de Fender, Tom Walker, y le invitó a comentarle a Leo
Fender sobre este problema. Éste, por el contrario, respondió que sus
guitarras no permitían calibres más finos porque sino tendrían problemas de
trasteo y no estaba tampoco por la labor de rediseñar las barras de tensión
de las guitarras. Ante esta
negativa Ernie habló con un fabricante de cuerdas para que le fabricarán
algunos juegos personalizados en los que la tercera 029 fuera una de 024.
En la década de los
60, en plena explosión de la guitarra rockera, más y más gente compraban un
juego y cambiaban la sexta cuerda por otra más delgada y esto obligaba a que
el resto del juego fuera también de calibres más finos. Ernie, que empezó a
obsesionarse con la poca oferta de cuerdas del mercado, pensó que debería
existir un juego especial para este estilo así que volvió a contactar con
Tom (Fender) para que trasladara la idea a Leo. Nuevamente Leo
renunció a esto, así que contactó con la gente de Gibson y tras intentar
hablar personalmente con ellos recibió también una negativa por parte de
ellos a realizar estos juegos especiales.
Así , Ernie
tomó la decisión de hacerlo él en lo que fue el embrión del primer juego
Slinky (Regular 10-46). Al principio
estas cuerdas sólo fueron vendidas localmente en su tienda y Ernie empezó a
desarrollar la idea de poder personalizar o dar la posibilidad a los
guitarristas de personalizarse su juego de cuerdas. Para ello hizo
fabricar un expositor de cuerdas y ordenó que hubieran de todos los
calibres, desde .008 hasta 0.024 en cuerdas lisas y de .018 hasta .058. Este expositor
creó muchísima expectación en todos los clientes que lo testaban hasta que
el legendario Merle Travis las empezó a usar en sus giras. Ante la pregunta
de que cuerdas usaba la respuesta era “Ernie Ball” y la repercusión que
empezó a tener en ese momento originó una demanda que ha ido creciendo hasta
el día de hoy. Actualmente
los productos Ernie Ball, entre ellos Music®Man, pueden encontrarse en más
de 5000 tiendas y son exportados a más de 67 paises.
ERNIE BALL y MUSIC®MAN
A principio de los años
ochenta Ernie y Sterling vieron la oportunidad de fabricar guitarras
eléctricas completamente americanas (muchas de ellas se estaban fabricando
en Korea, Japón y México) combinando la más moderna tecnología junto a las
viejas técnica de manufacturación artesanal y dando como resultado un
producto de altísima calidad y de una inmejorable manufacturación.
En 1984, la
compañía Music®Man sale a la venta. Esta compañía tenía una sólida
reputación tanto por sus bajos como por sus amplificadores y Ernie consideró
una excelente oportunidad para iniciar su proyecto la adquisición de esta
compañía a finales de 1984.
Hoy en día
Music®Man es una marca dentro de Ernie Ball Company cuya mayor
representación y logro en el mercado es ser la compañía Nº1 en ventas en USA
de cuerdas de guitarra y bajo.
LOS BAJOS
STINGRAY
Cuando fue
introducido en 1976 por la compañía original, el StingRay empezó a ser de
una manera inmediata uno de los bajos favoritos de los músicos. Fueron los
primeros caracterizados por circuitería activa y la configuración registrada
de 3+1.
Además
características especiales como seis tornillos de anclaje del mástil, cuerpo
contorneado, exclusiva barra de tensión , puente mejorado y la más refinada
electrónica lo convertían en un producto de inmejorable calidad.
STINGRAY 5
Introducido en 1987, el StingRay 5 fue el primer bajo
Music®Man diseñado y construido en San Luis Obispo por el equipo de Ernie
Ball. El diseño de este bajo esta basado en el look clásico de las guitarras
Silhouette. Una electrónica activa mejorada en repuesta y prestaciones,
combina lo mejor del StingRay de 4 cuerdas con las nuevas innovaciones de
los diseñadores de Music®Man .
STERLING
El Sterling es
más pequeño y ligero que el StingRay además de tener un mástil ligeramente
más delgado. Está caracterizado también por una pastilla activa con un
nuevo sistema de preamplificación El Sterling fue nombrado en 1993 por la
revista Musician como el bajo más innovador.
SILHOUETTE 6
-
STRING BASS GUITAR
Afinado una octava más
grave que una guitarra convencional, este modelo combina la manejabilidad de
una guitarra con la respuesta de un bajo. Doble humbucker que pueden ser
conmutadas ofreciendo diez posibles combinaciones.
LAS GUITARRAS
SILHOUETTE
En 1986, Music®Man desarrolló la Silhouette incorporando innovaciones como
la varilla de tensión del mástil recubierta de Teflón y un sencillo
mecanismo de ajuste que no necesitaba herramientas para su uso así como un
ensamblaje de las pastillas sin soldaduras que hacían mas rápido su cambio.
También fue
presentado como novedad la configuración "registrada" de clavijas 4+2.
La Silhouette
ha probado ser una sólida herramienta de trabajo para guitarristas
profesionales incluyendo a Keith Richards y Ron Wood de Rolling Stones. En
una entrevista en la revista Guitar Player, Keith Richards definió a la
Silhouette como la guitarra mas impresionante desde la Tele o la Strat.
STEVE MORSE SIGNATURE
Steve Morse, fundador de Dixie Dregs y de Steve Morse Band es actualmente el
guitarrista de Deep Purple y miembro de la revista Guitar Player (Gallery of
the Greats).
Steve
seleccionó en 1987 a Music®Man para la construcción de su guitarra Signature
que es la que utiliza tanto en directo como en estudio.
AXIS
Conocida como Edward Van Halen EVH desde Enero de 1990 hasta Septiembre de
1995, la Axis está caracterizada por un cuerpo de Tilo con una tapa de Arce
figurado. Además el mástil está contorneado digitalmente. La Axis está
disponible con trémolo Music®Man tipo Floyd Rose.
ALBERT LEE SIGNATURE
Originalmente diseñado en 1987 como un prototipo con una línea nueva y
radical, el conocido Albert Lee probó la guitarra e instantáneamente quedo
enganchado a ella. Así, se convirtió en su principal herramienta tanto en
estudio como en directo. En 1993 EB empezó a ofrecer la guitarra en catalogo
como Albert Lee Signature en acabado Pink Sumburst, tres pastillas simples
Seymour Duncan ® , mástil en arce y un puente estándar Music®Man . En 1996
fue ampliada la gama con nuevos colores y la opción del trémolo Vintage de
MM.
THE LUKE
SIGNATURE
También
introducida en 1993, la Luke es la guitarra Music®Man Signatura de Steve
Lukater. Caracterizada por una pastilla doble y dos simples activas EMG,
trémolo MM Floyd Rose y un mástil en formato V.
Steve utiliza
su Luke tanto en estudio, como en directo e indistintamente en sus proyectos
en solitario, con la banda Toto o en las colaboraciones con otros artistas.
En una reciente entrevista revisión reciente, Revista de Mundo de Guitarra
indicó, Esta guitarra tiene la habilidad de inspirar!!!!
JOHN PETRUCCI
SIGNATURE
La guitarra John Petrucci es la última
Signature incorporada al catalogo de MM. Esta guitarra fabricada en expreso
según las indicaciones de uno de los guitarristas más aclamados en los
últimos años te ofrece el trémolo exclusivo John Petrucci. y patentado por
Music®Man , un mástil personalizado con radio de 16”, pastillas DiMarzio
fabricadas exclusivamente para John y la opción de piezo eléctrico entre
otras.
Sin duda una de las guitarras Signature que más
adeptos está consiguiendo.
SILHOUETTE SPECIAL
Esta variación de la Silhouette introducida en 1995, esta caracterizada por
un trémolo vintage , clavijeros con bloqueador y el exclusivo Silent
Circuit ® de Music®Man.
Este circuito
elimina el ruido de las pastillas simples sin restarle ni brillo ni la
respuesta natural de la pastilla. Una versión con cuerdas a través del
cuerpo se introdujo en catalogo en 1996.
AXIS SPORT
Una de las últimas
incorporaciones a la familia Music®Man, la AXIS SPORT proporciona al
guitarrista las particularidades de la AXIS con un mástil con escala de 25 ½
y un radio de 10”. Mismo contorno del mástil y disponible tanto en arce como
en palisandro. El cuerpo fabricado en fresno ligeros está disponible en una
alta gama de colores traslúcidos.
Diferentes configuraciones de pastillas (doble
Humbucking, tres simples o dos simples con una humbucking hacen de este
instrumento una herramienta verdaderamente versátil para diferentes estilos.
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ROTOSOUND |
La historia de las ya
archifamosas cuerdas Rotosound tiene
como en otros casos, una historia muy curiosa. Todo empezó en los
años 50, cuando James How, fundador de Rotosound e interprete de violín, se
entusiasmó con la cítara, un instrumento de cuerda que aparecía en la
película "el tercer hombre". Su sonido le cautivo y le llevó a adquirir una,
pero con
el juego de cuerdas incompleto. Fue entonces cuando tuvo que
ingeniárselas para completarlo, fabricándoselas él mismo. Continuó buscando
y restaurando citaras en mal estado que adquiría por poco dinero. Las fue
reparando y completando hasta disponer de 250 citaras que después vendió.
Con los beneficios obtenidos desarrolló un sistema semiautomático de
fabricación de cuerdas. Al cabo de tres años
James era ya el primer fabricante de Inglaterra, y puede que del mundo, que
poseía
una planta semiautomática de bobinado de cuerdas. A principios de los años
60 varias
bandas de rock utilizaron las cuerdas rotosound (sonido de entorchado),
dando a estas mismas una publicidad gratuita y
una difusión a nivel mundial. Estos grupos son hoy en día legendarios (Jimi
Hendrix Experience, The Who, Yes, Led Zeppelin,
entre otros). En 1963, muchos bajistas de esa época se quejaban de la falta
de tono y nitidez
de las cuerdas que hasta entonces se fabricaban, de tipo planas (flatwound).
James desarrolló una combinación de Alambre y acero inoxidable con
entorchado rugoso (roundwound).
Otro adelanto que introdujo Rotosound, fue la cuerda TRU BASS, entorchada en
nylon negro sobre
alma también de nylon, de la que Paul Mc Cartney de los Beatles era gran
adepto, ya que empezó a utilizarla desde el álbum Revolver
hasta el último tema que interpretó en directo con la banda, en el tejado
de los estudios Apple records, LET IT BE. Jaco Pastorius aporto también
mucho al desarrollo de esta marca, ya que se le atribuye a él la decisión de
marcar cada cuerda con una seda de un color para su fácil identificación.
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Michail Toomas
Paiste |
Michail M.
Paiste |
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Robert Paiste |
Toomas Paiste |
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PAISTE |
Michail
Toomas Paiste, Rusia (1901 - 1916) compositor y músico,
cuyo padre vino desde Estonia formando parte de la guardia Zarista. Fundó un
modesto negocio de música en San Petersburgo y que también incluía la
fabricación y la reparación de instrumentos musicales. Durante muchos años
prospera hasta que tuvo que cerrar su negocio tras la revolución Rusa del
17.
Michail Toomas
vuelve a su país nativo, Estonia (1917 - 1939), y abre de
nuevo su negocio, en la ciudad de Tallinn. Es aquí, junto con
su hijo Michail M. Paiste, donde comienza a diseñar y a fabricar
platos de concierto y de banda de marcha. Michail M. Paiste toma con fuerza
el timón de la nueva empresa y le da un importante impulso, asumiendo así el
control eventual de la empresa. Intentando resolver rápidamente las demandas
de desarrollo de la "música moderna" y del sistema del tambor que emerge, el
hijo comienza a desarrollar su propio concepto especial para los platos de
estilo turcos, y que él prefiere, como punto de partida, sobre el estilo
chino. Es durante este tiempo que también desarrolló los primeros gongs. Los
instrumentos que resultan de su trabajo reciben el reconocimiento
internacional, mientras que comienzan a ser exportados a Europa, E.E.U.U. y
otros continentes.
Los
acontecimientos de la 2ª guerra mundial fuerzan a Michail M. a salir de
Estonia para dirigirse a Polonia, (1940 - 1944), donde
vuelve a reestablecer el negocio de la familia. La compañía lucha con la
escasez de las materias primas que produjo la guerra, además de la
dificultad en mantener las relaciones internacionales, pero logra
sobrevivir.
Hacia el final
de la guerra, Michail M. Paiste y su familia escaparon de Polonia como
refugiados, llegando a Alemania del norte (1945 - Presente),
donde por tercera vez comienza a producir platos y gongs. La reputación
conseguida años anteriores restablece las relaciones empresariales y se
asegura así, durante los años 50, un fuerte desarrollo de su empresa y un
gran negocio de exportación.
Michael M.
Paiste establece una fabrica en Suiza
(1957
- Presente), formando parte de ella una tercera generación de la
familia, los hijos Roberto y Toomas, y que se convierte en la
base de las demás compañías para el desarrollo futuro. Una nueva era
comienza mientras que Roberto y Toomas hacen Paiste Suiza el centro
de sus actividades económicas internacionales.
La compañía
gana un equilibrio firme en el mercado mundial del instrumento musical con
el establecimiento de Paiste América en los E.E.U.U.
En 1995 Paiste
vuelve literalmente a casa otra vez, reestableciendo una compañía en
Estonia, después de una ausencia de más de cincuenta años. El mismo año, una
firma se funda también en España. |
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Parker Fly Deluxe Single 2 |
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PARKER |
Como todo el mundo sabrá estas guitarras no son precisamente las de
Alejandro Sanz, sino las de Ken Parker, prestigioso luthier
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BIGSBY |
En
los años 40, Paul Adelburt Bigsby era un capataz experto en una
tienda de motos de Los Ángeles, que poseía Albert Crocker, famosa
Motocicleta de la Crocker Company. El interés de Paul en las
motocicletas y en la música occidental le puso en contacto con Merle
Travis. Ambos eran moteros y fervientes amantes de la música, Paul y
Merle se hicieron grandes amigos. Durante este tiempo, Merle mostró su
guitarra Gibson L-10 a Paul, con un vibrato Kaufman que no permanecía en
consonancia, por lo que Merle sugirió a Paul: "puede usted fijar esto para
mí?" y Paul contestó:. "puedo fijar cualquier cosa". Pero viendo los
defectos del vibrato de Kaufman y con la sugerencia de Merle, decidió
rediseñar un nuevo mecanismo completo que trabajó perfectamente. Este
dispositivo fijó el estándar, y se convirtió en la mejor opción de vibrato
para la mayoría de los fabricantes de guitarras del mundo desde entonces
hasta hoy.
Un
día de finales de 1946, Merle y Paul A. Bigsby almorzaban juntos en Pasadena.
Merle, había realizado unos bocetos con una idea nueva para una guitarra y
se lo mostró a Paul. "puede usted hacer esto...?". Paul A. Bigsby le
contestó que podía hacer cualquier cosa.¡Y de hecho, pudo hacerlo! El dibujo
que realizó, de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido y con las seis
clavijas afinadoras en un lado de la pala, fue construida al año siguiente y
tocada por Merle en grabaciones, radio y en conciertos públicos. A muchos
les llamó la atención esta guitarra, tanto en sonido como en forma, lo que
interesó tanto a músicos como a constructores, a famosos y no tan famosos.
Esta guitarra compacta cambió el sonido y la forma de ver la guitarra para
siempre. Billy Byrd, Butterball Paige y Grady Martin, son algunos de
los nombres que pidieron una copia de esta guitarra, y Paul instaló la
tienda en un edificio pequeño construido al lado de su casa en la calle
Phlox de Downey, California. Ese mismo año, un guitarrista local legendario
de "steel Guitar", Joaquín Murphey, le pregunto a Paul si podía
construir para él una guitarra de acero, con lo que le contestó con su
habitual actitud: "puedo construir cualquier cosa", Paul construyó la
mejor Steel guitar vista hasta la fecha y le fue entregada a Joaquín en
1947.
Rápidamente, otro guitarrista de steel guitar visitó la tienda de Paul, para
la construcción de una guitarra de acero, pero esta vez con pedales. El 8 de
febrero de 1948, la guitarra fue acabada con un triple mástil y 4 pedales.
Tanto el boca a boca como el sonido de estas nuevas guitarras de acero
viajaron, y más músicos desearon una para sí mismos.
Cuando Bud Isaacs tocó con su nueva Bigsby de pedales en la canción "Slowly"
de Webb Perce, la mayoría de los "steelers", supieron que debían
tener una.
Los
instrumentos de Bigsby fueron construidos sobre una base de encargo, él no
podría continuar con los pedidos pendientes de una lista que esperaba entre
dos o más años seguidos. Durante varios años se intentaron construir una
guitarra al mes. El Bigsby Vibrator tomó más y más de su tiempo, y la
fabricación del instrumento disminuyó.
En
1965, Paul tuvo algunos problemas de salud y decidió vender su compañía.
Llamó a su viejo asociado Ted McCarty, el presidente jubilado de las
guitarras Gibson. Ted compró la patente y el nombre de Bigsby el 1 de enero
1966. En 1968 Paul quedó alejado del negocio.
El 10
de mayo de 1999, la Gretsch Guitar Company compró los accesorios de
Bigsby a Ted McCarty.
Paul
Bigsby no tenía ningún libro de registro ni archivos. ¿Cuántos instrumentos
hizo Paul ? Nunca lo sabremos exactamente. Después de 15 años de
investigación, podemos documentar solamente 47 steel guitars, seis guitarras
estándares, una guitarra tenor, dos guitarras de doble mástil, dos
mandolinas y seis reemplazos de mástil que todavía existen hoy. ¿Hay otros
en un armario o debajo de una cama que esperan ser descubiertos ? Solo
Podemos esperar... Todos los instrumentos de Bigsby están altamente
cotizados hoy en día. |
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BOB MOOG |
Robert A. Moog (23 de mayo de 1934, Nueva York — 22 de agosto de 2005)
fue un inventor estadounidense. Es famoso por crear, junto con otras
personas el sintetizador, instrumento musical con el que se pueden crear una
gama prácticamente infinita de sonidos. De pequeño, estudió piano siguiendo
los deseos de su madre, no obstante nunca pensó en dedicarse a la música,
prefirió seguir los pasos de su padre, George Moog, ingeniero eléctrico en
la compañía Edison. El niño mostró interés por la electrónica y, desde los
diez años, su hobby era construir instrumentos musicales electrónicos. De
hecho, a los 15 años, en 1949, vio un artículo en una revista sobre cómo
construir un theremín y animado por su padre, Bob lo construyó. A partir de
entonces, siempre con la experta ayuda de su padre, Bob se dedicó a
construir teremines, que luego vendía. Incluso, años después, en 1954,
estableció su propia compañía, la R.A. Moog Co. para la fabricación y
comercialización de teremines, que se distribuían bajo la fórmula de "hazlo
tú mismo". Se mandaban las piezas junto con su manual de montaje. El precio
de la unidad era de 50 dolares. Este negocio, permitió a Bob y a su padre,
con el que estaba asociado, amasar una pequeña fortuna.
Aunque, durante casi diez años, Bob se dedicó
exclusivamente a fabricar teremines, continuó sus estudios, al tiempo que
tocaba el piano en un cuarteto de música de baile. En cuanto a su formación,
Bob estudió el bachillerato en la Escuela de Ciencias del Bronx, física en
el Queens College, luego ingeniería eléctrica en la Universidad de Columbia
y, finalmente, un doctorado en ingeniería física en la Universidad de
Cornell en 1965.
Cuando tenía 20 años, mientras concluía su
doctorado en Cornell, conoció a Raymond Scott, un prestigioso pianista,
conocido por ser el compositor de las melodías de muchos de los dibujos
animados de la Warner. Ambos compartían su interés por los instrumentos
musicales y Scott mostró a Moog uno inventado por él, el electronio (electronium),
que era capaz de generar melodías de forma aleatoria. Aquel instrumento puso
a Bob tras la pista de la sintetización de sonido.
Moog, a finales de 1963, conoció al
compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos
electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el
Moog Modular Synthesizer
El Moog, aunque era conocido con anterioridad
por la comunidad educativa y música, fue presentado en sociedad en el otoño
de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la
Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en
Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el
negocio despego.
La compañía Moog Music creció de forma
espectacular durante los primeros años y Bob diseño y comercializo nuevos
modelos, como el Minimoog una versión portátil del moog o el Moog Taurus que
introducía un pedal para controlar con más facilidad un sonido que imitaba
al del bajo.
Moog, no supo gestionar bien su empresa y
esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo
pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue
adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos
musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un
pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a
pique poco después.
Bob, no se dio por vencido y, al año
siguiente, en 1978 fundó su segunda compañía, la Big Briar,
especializada en la fabricación de instrumentos a medida y cajas de
efectos de sonido. Compaginaba este nuevo negocio con la enseñanza. Fue
contratado como profesor para la Investigación musical por la Universidad de
Carolina del Norte, ubicada en Asheville. Por este trabajo se instaló en la
ciudad y como profesor empezó a dar conferencias en todo el mundo, siendo
muy solicitado por su gran aportación a la música electrónica.
En 2002, volvió a trabajar de tiempo completo
como investigador para la Moog Music, marca que pudo recuperar después de
una batalla legal y, en 2003, comenzó a producir una nueva versión del
Minimoog llamada MiniMoog Voyager. Entre sus clientes en esta segunda etapa
figuraban grupos tan emblemáticos como Pearl Jam y Maroon 5.
Bob Moog falleció en su casa de Asheville
(Carolina del Norte) de un tumor cerebral el 22 de agosto de 2005. Moog
falleció cuatro meses después de que le fuera diagnosticado un cáncer
cerebral que no podía operarse. Desde abril, recibió radiaciones y
quimioterapia, pero finalmente el cáncer lo venció.
Su
familia ha establecido en su memoria el Fondo Conmemorativo Bob Moog,
dedicado al Avance de la Música Electrónica.
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