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JUEVES Y SÁBADOS

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DOMINGOS CERRADO

Calle San Sebastián nº 1

12500 Vinaròs (Castellón)

Tel: 964 45 42 14

La experiencia en este sector nos viene dada desde el  año 1979, fecha en la cual, los fundadores de esta empresa hacen ya sus pinitos como músicos, tocando en diferentes grupos de rock de Barcelona, y no es hasta el año 1993 que por fin nace El Rastro Musical, tienda de instrumentos musicales especializada en dar cobertura al músico aficionado y profesional.

Nuestra primera ubicación en el año 1993 fue en la calle Santos Médicos 17 y desde el 2007 nuestra tienda se ubica en la Calle San Sebastián nº 1 de la ciudad de Vinaròs, que al ser el último pueblo de la provincia de Castellón, está muy cerca de poblaciones como Alcanar, Sant Carles de la Rápita, Amposta, Reus, Tarragona y demás ciudades de Catalunya.

El tiempo que separa todas las fechas anteriores, hace que seamos conocedores de las necesidades del músico de hoy, y por ello intentamos ofrecerle lo mejor, tanto en cuestión de marcas, de producto y sobre todo de servicio, dándole especial importancia a este último punto, que justifica en muchos casos nuestra especial atención comparada con otros comercios online donde lo único que cuenta son las ventas y no el cuidado del cliente.

En esta página solo publicaremos nuestros "PUNTAZOS" que hacen referencia a material descatalogado, segunda mano, reliquias, ofertas especiales, ex demos, y en definitiva todo lo que es OUTLET. Esta página va linkeada directamente a nuestro comercio online, por lo que resultará muy fácil realizar cualquier compra de los artículos ofertados desde aquí.

Esperamos y deseamos que vuestra experiencia con nosotros sea provechosa y estaremos encantados de atenderos.

Muchas veces, sin darnos cuenta, llamamos ciertos objetos por un nombre que acaba siendo una marca, (nadie hoy en día llama a los pañuelos de papel por su nombre, sino por su marca, es decir, "Pásame un Kleenex"). En el lenguaje y argot que hace referencia al mundo de la música existe mucho de esto, "ponme unas Ernie Ball, pásale Fast Freet a las cuerdas, y un largo etc...", Lo curioso de esto es conocer las personas que están detrás de estas marcas que nos son tan familiares,  y conocer un poco de su historia.(cuantas veces decimos, yo toco con una LesPaul o con una Fender, sin recordar que son los apellidos de las personas que dieron nombre a sus instrumentos.) De ahí, nace esta sección que esperamos os guste, e invitamos a que nos contéis anécdotas que puedan escapársenos a nosotros, para publicarlas en esta sección.

LEO FENDER

Clarence Leonidas Fender, nacido el 10 de agosto de 1909 en la granja de sus padres en Anaheim, en el estado de California, y muere el 21 de marzo de 1991.  Él, ha sido para el mundo de la música moderna una de las personas más importantes y que más ha aportado, no solo en el proceso de creación, sino también de la innovación (Broadcaster, Telecaster, Stratocaster, G&L, Musicman, etc..). Aunque congeniaba a las mil maravillas con sus amigos músicos y les dedicaba su vida, Leo no era músico. Su gran amigo George Fullerton (más adelante socio y fundador de G&L) sí lo era. George tocaba la guitarra en un grupo local de country llamado Wint Nickles and the Gold Coast Rangers. Un día, George le planteó a Leo los problemas que tenía con el mástil de la guitarra. Juntos examinaron detenidamente la guitarra y llegaron a la conclusión de que el mástil estaba mal y que tendrían que cambiarlo. En aquel entonces, si una guitarra tenía un mástil defectuoso, tenían que enviarla al fabricante porque no había muchos luthiers cualificados que pudieran efectuar una reparación en condiciones; así que enviaron la guitarra al fabricante y pasaron varios meses antes de que se la devolvieran. Durante este tiempo, George tenía que pedir prestada una guitarra a sus amigos para poder tocar; si no la encontraba, los Rangers no podían actuar. Después de escuchar las quejas de George sobre su situación, Leo dijo: "¿Por qué diablos no atornillan sin más el maldito mástil y luego te envían uno nuevo? Así podrías arreglarte con el que tienes mientras llega el nuevo". Así pues, se pusieron a pensar y a darle vueltas a la idea de una guitarra eléctrica con un pasador en el mástil. Entre tanto, Leo pensó que si la guitarra iba a amplificarse con mucho volumen, sería mejor que el diseño de la caja fuera macizo en lugar de hueco. Después de todo, veía que las guitarras "lap steel" macizas producían menos realimentación que las guitarras de caja hueca como la de George. Pasó un año hasta que Leo y George desarrollaron el primer prototipo de guitarra válido, modelo que fueron perfeccionando hasta que conseguir la Broadcaster®, más tarde rebautizada como Telecaster®. Estos dos hombres, con la ayuda de otra gente importante, diseñaron los instrumentos más revolucionarios, corno la Stratocaster y el Precision Bass, para ir dando forma a la música moderna tal y como la conocernos. Los amantes de estos instrumentos, a veces nos preguntamos de donde salieron tales nombres para bautizar las guitarras que tanto admiramos. Uno de los casos más curiosos y que demuestra la cualidad visionaria de Leo Fender es el caso de la renombrada Telecaster, nombre que le dio tras darse cuenta que la televisión iba a revolucionar el mundo y de ahí que decidió llamarla TELEcaster.

LEO VENDE SU PRIMERA COMPAÑIA
En 1965, Leo vendió la firma Fender a la División de Instrumentos Musicales de CBS. Su salud se resentía y los médicos le recomendaron que dejara los negocios. Muy a su pesar, Leo accedió y procedió a la venta. En los términos del contrato se estableció que Leo seguiría siendo asesor de Fender durante 5 años, y que no competiría directamente con Fender durante una década. De esta forma, no podría emprender otra actividad relacionada con la fabricación de guitarras durante todo ese tiempo.

LA FUNDACIÓN DE CLF RESEARCH
En un par de años, la salud de Leo mejoró, y en 1970 adquirió una gran extensión de terreno próxima a la factoría Fender; una de las calles limítrofes de la finca recibió el nombre de Fender Avenue. En estos terrenos construyó una serie de edificios como inversión inmobiliaria, aunque conservando varios para sí, donde creó la firma de consultores CLF Research, las siglas hacen referencia a Clarence Leo Fender. Su buen amigo y asociado, George, se unió a él. (Ver historia de G&L más abajo)

ORVILLE GIBSON

Orville H. Gibson nació en 1856 en Chatteagay, Nueva York, pero le trasladan de niño a Kalamazoo Michigan, donde trabajo en un restaurante. Desde joven le encantó la música y cualquier trabajo que tuviera que ver con la madera, esto le empujó a hacerse con un pequeño taller de carpintería. Fueron muy pocas las guitarras y mandolinas que el mismo construyó, hoy en día son consideradas verdaderas obras de arte, ya que su construcción se basaba en dar forma a la madera a base de tallarla y no de doblarla. En 1874 nace la "Gran Gibson", obra de Orville Gibson y pionera de lo que ahora conocemos como guitarra de caja. En 1902 se forma la compañia Gibson Mandolin - Guitar Manufacturing Company que montó con 5 socios de Kalamazoo: John Adams, Samuel Van Horn, Sylvo Reams, Lewis Williams y Leroy Hornbeck. Orville Gibson no quiso seguir como socio, sino que solo exigió que se mantuviera su nombre. La firma Gibson cogió fama gracias a estos cinco socios y sin su creador. Es en 1915 que la factoría Gibson esta ya consolidada, pero desgraciadamente Orville Gibson pierde el juicio y es internado en un hospital psiquiátrico de Nueva York, donde muere en agosto de 1918. En 1919 aparece quien continuaría la obra de Gibson, Lloyd Loar. La Factoría Gibson fue la pionera de la guitarra acústica de tapa curva (la L-5 en 1923) y de la guitarra eléctrica de caja hueca (la ES-150 en 1936), justo después de sacar en 1935 la super 400, guitarra emblemática de Gibson. Sin embargo, su incursión en el campo de las guitarras eléctricas de cuerpo macizo llegó más tarde, después de que Fender presentara la Broadcaster (actual Telecaster), y se debió en gran parte al ilustre Les Paul. (ver historia más abajo). La guitarra Española había nacido muchísimos años antes que aparecieran los primeros modelos de caja y acústicas. De hecho Gibson nombro sus más famosas guitarras con las siglas ES que significan "Electric Spanish". Gibson construía guitarras de tapa curva y orificios en forma de F (violin) que lograban darle a la guitarra un sonido potente, muy de agradecer en una época donde la guitarra eléctrica aun estaba por desarrollarse. Es en 1936 que hace su aparición la primera eléctrica con el modelo conocido como ES 150, pero es en 1933 que un tal Walter Fuller hace su aparición en la historia de Gibson, siendo su misión, electrificar guitarras acústicas de tapa arqueada. De ahí salen las pastillas que adornarían la famosa ES 150. Pero es un tal Charlie Christian, famoso guitarrista de jazz de aquella época y que colaboro con Fuller en el desarrollo del sonido acústico electrificado, el que le dio nombre a la pastilla, y que muchos guitarristas de jazz denominan esta guitarra como la ES 150 "Charlie Christian". Charlie murió a la temprana edad de 26 años. En 1942, con el comienzo de la 2ª guerra mundial y la muerte de Charlie Christian, se ve truncada la investigación y queda aplazada a una década más tarde. Entre tanto, en 1944 Gibson es absorbida por la compañía de Maurice Berlin, la Chicago Musical Instrument Company.

Pero fue en 1946 cuando la visita de un músico apodado Les Paul cambiaria el curso de la historia de Gibson.

LES PAUL

Lester William Polfus apodado como Les Paul, era un músico conocido como Rhubarb Red. Nació en Junio de 1915 y fue en 1946 cuando realizó una visita a Gibson que cambio el curso de la historia de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Todo comienza con uno de sus experimentos de fin de semana con la «tronco» en la factoría Epiphone, Les Paul ofreció sus ideas a Gibson, pero la compañía no se mostró interesada; rechazaron su prototipo diciendo que era «un palo de escoba con una pastilla». Pero en 1950 volvieron a llarnarle y le firmaron un contrato, comprometiéndose a pagarle royalties por cada guitarra eléctrica que la compañía fabricase llevando su nombre. Así, Les Paul pudo continuar en Gibson sus ideas, llegando a desarrollar cincuenta o sesenta prototipos de guitarras, hasta que encontró un diseño que le dejara satisfecho. Finalmente, en 1952 se inició la producción de la «Gibson Les Paul». Al principio, Maurice Berlin, el presidente de la compañía, pensaba que se debería llamar simplemente «Les Paul», y que el nombre «Gibson» no debía aparecer, para que la empresa no perdiera reputación si fallaba la operación. Pero pronto cambió de idea: «Tal vez debamos poner el nombre Gibson, por si sale bien». El tiempo le dio la razón. Les Paul quería que las guitarras pudieran sostener naturalmente una nota durante 20 segundos, y por eso las hizo relativamente pesadas. La caja era de caoba maciza, con una «tapa» delantera de arce, de 12 mm de grosor. El perfil tallado de la tapa fue una idea de Gibson para que las guitarras fueran difíciles de copiar.

En 1962 expiró el contrato de Les Paul con Gibson. Ocupado con su divorcio de Mary Ford, decidió que no quería seguir trabajando con guitarras durante algún tiempo, y comentó con disgusto las guitarras «Les Paul» que Gibson siguió haciendo sin poner su nombre en ellas. Pero en 1967, cuando los músicos de rock empezaron a pagar miles de dólares por las guitarras Les Paul de 1957-1960, habló nuevamente con Maurice Berlin y volvió a participar en el diseño de guitarras Gibson.

La Gibson Les Paul original de 1952 tenía dos pastillas de bobina única, de alta impedancia, con tapas de color crema. Estaban conectadas a un conmutador de tres posiciones, y había controles separados para el tono y el volumen. Al principio, Les Paul incluyó sus característicos puente y cordal en forma de trapecio, pero esto ocasionaba problemas, y en 1955 se sustituyeron por el nuevo sistema de puente y cordal "Tune-O-Matic" ajustable.  En 1957, se cambiaron las pastillas de bobinado único por las nuevas "hurnbuckers" de doble bobinado, creadas por Seth Lover y Ted McCarty. Hasta 1960, a estas pastillas se las llamaba "PAF" (Patent Applied For). Las Gibson Les Paul de este periodo, 1957-1960, son guitarras cotizadísimas. Muere en agosto del 2009 a los 94 años de edad.

G&L

DOS HOMBRES LEGENDARIOS
La historia de G&L Musical Instruments no puede contarse sin empezar por el principio, cuando George Fullerton conoció a Leo Fender. La "G" de G&L viene de George y la "L" de Leo. Estos hombres fundaron G&L Musical Instruments en 1980, aunque la historia real empieza el 4 de julio de 1947, cuando se conocieron en la feria de Fullerton, una pequeña y tranquila localidad del sur de California. George y Leo ya habían oído hablar el uno del otro porque ambos se dedicaban a lo mismo: los dos tenían una tienda de reparación de radios, cada uno en un extremo de la ciudad. Se conocieron, simpatizaron y ahí quedó la cosa. Más tarde, Leo se introdujo en el negocio de los amplificadores para guitarras "lap steel", muy populares por entonces en aquella localidad rural. Las bandas que pasaban por Fullerton contaban a menudo en sus filas con guitarristas de lap steel, y la experiencia de Leo montando radios le ayudó a diseñar pequeños amplificadores. Al mismo tiempo que empezaba a construirlos, le pidieron que también reparara las guitarras. Leo pensó que incluso podía construirlas y vendérselas a los músicos itinerantes. Resultó que la parte musical del negocio de Leo creció mucho más rápidamente que la parte dedicada a la reparación de radios, y le preguntó a George si le interesaría trabajar para él. A George le gustó la idea y aceptó la oferta.

LOS COMIENZOS DE MUSIC MAN
Poco tiempo después, algunos de los antiguos colegas de Leo le encargaron que diseñara y fabricara una línea de guitarras, bajos y amplificadores bajo el nombre de Music Man®. Leo no participaría en la propiedad de Music Man, por lo que no rompía el acuerdo con la CBS. Fue en las instalaciones de CLF Research donde se puso en marcha el diseño y fabricación de los instrumentos y amplificadores Music Man, incluido el hoy popular bajo Stingray®.

LEO AND GEORGE PONEN EN MARCHA G&L
A finales de 1975 expiró el acuerdo con la CBS. Leo decidió entonces, junto con su íntimo amigo George, crear su propia marca de guitarras y bajos. Como Leo ya disponía de instalaciones de producción y artesanos cualificados, iniciaron los preparativos para crear G&L Musical Instruments, constituida formalmente en 1980. Leo y George ya habían patentado varios diseños novedosos y desarrollado algunos instrumentos de características revolucionarias, que pronto serían adoptados por músicos de todo el mundo. Entre las más conocidas se encuentran el Trémolo Dual Fulcrum®, el puente fijo Saddle Lock®, el diseño de mástil Bi-Cut® y la pastilla Magnetic Field®. Estos elementos son muestras de la inmejorable precisión, sonido y fiabilidad de los instrumentos G&L. Además, utiliza exclusivamente las mejores maderas armónicas tradicionales, algunas de ellas procedentes de proveedores en los que Leo había confiado durante décadas. De hecho, algunos de ellos continúan enviando facturas a la factoría de G&L, a la atención de Mr. C.L. Fender. G&L no utiliza cualquier tipo de fresno, sino fresno de los pantanos de Louisiana; utiliza aliso norteño, arce 'hard rock' canadiense, palisandro indio, y ébano y caoba africanos. Antes de pasar a producción, la madera se almacena durante varios meses en una sala de curación que G&L tiene en sus instalaciones. Por ejemplo, el especialista de madera de G&L prefiere envejecer el palisandro brasileño durante 6 meses antes de que pase a producción. Aún más impresionante es el hecho de que la provisión de caoba de G&L es lo suficientemente grande corno para que la caoba de algunos modelos haya sido curada durante más de 8 años antes de ser utilizada.

G&L: LOS INSTRUMENTOS MUSICALES MÁS ARTESANALES DEL MUNDO
El uso exclusivo de las mejores maderas armónicas existentes es tan sólo el principio de un hermoso instrumento G&L. La mayoría de los métodos de producción de G&L tienen su origen hace 35 ó hasta 50 años, y aplican las técnicas artesanales creadas por Leo. Tales métodos, de requisitos temporales tan extensos, junto con la pericia y la meticulosidad de los artesanos musicales, son los que han hecho de los instrumentos G&L los más depurados de la historia profesional de Leo. Gran parte del instrumental utilizado por Leo en los años 50 y principios de los 60 fue objeto de una fiel reproducción a fin de que los artesanos de G&L consiguieran el elevado nivel de calidad que Leo exigía, siendo ésta una de las razones por las que los instrumentos Fender de la primera época alcanzan una estima tan alta entre los coleccionistas. Sin duda alguna, los instrumentos G&L son la culminación de un talento técnico y una atención al detalle que se extendió durante más de medio siglo.

G&L EN LA ACTUALIDAD
Leo Fender falleció un lluvioso día de marzo de 1991. El suceso conmovió al mundo de la música: nos había dejado el padre de la música moderna. Ese mismo día, Leo completaba su último prototipo de instrumento y declaraba a su esposa Phyllis que ya había dado cuanto podía a los músicos del mundo.
Antes de morir, quiso asegurarse de que el legado de G&L continuaría brillando en el futuro. Sabía que debía cuidar al personal de G&L, su familia, y que ellos debían sentirse seguros y libres para seguir fabricando las mejores guitarras y bajos de mundo.

Su esposa Phyllis compartía su sueño y eligió a BBE Sound, con John C. McLaren a la cabeza, para hacerse cargo de la dirección de G&L, así como de su ampliación y desarrollo en la forma que habría querido Leo. Éste, que profesaba un enorme respeto por John, había iniciado algunos años antes las conversaciones y confiaba en que John podría hacer realidad los sueños de futuro que él tenía para G&L, de la que se sentía tan orgulloso. John compartía la visión de G&L como fabricante de instrumentos artesanales que encarnaran 50 años dedicados a la innovación en el diseño de instrumentos.

Se dispuso todo para que la propiedad fuera transferida a la compañía de John, BBE Sound. George Fulierton permanece como asesor vitalicio y la esposa de Leo, Phyllis, como Presidenta Honoraria de G&L, recordando ambos al mundo que el espíritu y la integridad de Leo Fender seguirán latentes en todos y cada uno de los instrumentos que se construyan en G&L.

Hoy, la factoría G&L continúa la producción como Leo deseaba. Su taller particular permanece tal y como lo dejó el último día que trabajó en él, y numerosas personas del mundo de la música se han acercado a visitarlo desde todas las partes del mundo. No hay ordenadores ni robots de los que fabrican guitarras con mucha precisión, pero sin ningún espíritu. La gente de G&L, su gente, prosiguen la creación artesanal de los instrumentos G&L con cariño, dedicación y talento. Leo decía: "Las guitarras y los bajos G&L son los mejores que jamás he hecho". Preservando la singularidad de G&L y respetando la visión de su creador, John C. McLaren , dijo: "G&L estará siempre dispuesto a introducir cambios. Leo Fender ha sido un símbolo de innovación y evolución en beneficio de los músicos. Pero ante cualquier consideración de cambio, debemos preguntarnos antes: ¿habría estado Leo de acuerdo? Si la respuesta es afirmativa, entonces adelante, si es negativa, lo dejamos. Queremos tener en todo momento la sensación de que Leo estaría orgulloso de cómo es G&L en la actualidad'.

RICKENBACKER

La historia de Rickenbacker se remonta al año 1931 en los Ángeles (U.S.A), de la mano de George Beauchamp, un guitarrista de steel guitar que se planteó qué podría hacer para que el instrumento se escuchara sobre los del resto de la banda en  la que él tocaba. Ya anteriormente había hecho incursiones dentro de la incipiente ciencia de la electrónica con simples bobinas y el motor de una lavadora, en un intento de crear una pastilla capaz de amplificar el sonido de una cuerda de guitarra. Finalmente en 1930, usando un par de imanes y una bobina, consiguió el sonido que ansiaba. Un amigo de Beauchamp, Harry Watson, fue el encargado de construir el diapasón y el cuerpo de lo que sería la primera guitarra eléctrica, la "Frying Pan" que anecdóticamente causo muchos problemas en la oficina de patentes, ya que no sabían bien si inscribirla como instrumento musical o como aparato electrónico. en aquel entonces no había categoría que pudiera incluir éstas dos. Durante sus experimentos, Beauchamp había contado con la ayuda de Adolf Rickenbacker , un habilidoso ingeniero de producción experimentado en técnicas de manufacturación. Juntos, el día 15 de octubre de 1931, crearon una compañía para producir las primeras guitarras eléctricas, la "Electro String Instrument Corporation" que, tras una breve expansión empezó a manufacturar otros tipos de instrumentos como mandolinas, violines, cellos, e incluso un prototipo de piano eléctrico. Estos instrumentos estaban diseñados para ser utilizados conjuntamente con amplificadores, que la misma compañía había ayudado a desarrollar.

Tras la muerte de Beauchamp, Adolph Rickenbacker continuo trece años más con la compañía, pero la etapa moderna de las guitarras Rickenbacker empezó en 1953, cuando Francis C. Hall adquirió la empresa. Durante los primeros años de la década de los 50 se produjeron los cambios más significativos de la industria musical. F.C. Hall encargó a Roger Roasmeisl, diseñador europeo, la producción de la serie "combo" de cuerpo sólido y en 1958 las innovadoras "CAPRI", que podían ser suministradas con o sin vibrato, dos o tres pastillas y diapasón estándar o de lujo. En los años 50, Rick Nelson promocionó algunos modelos de Rickenbacker. Él y su guitarrista, James Burton, probaron los prototipos y aportaron una valiosa información que serviría para la futura generación de guitarras de cuerpo hueco.

Fue diez años más tarde cuando se empezó a asociar el nombre de Rickenbacker con el del mayor fenómeno musical del siglo XX: THE BEATLES. Los instrumentos que utilizaron los chicos de Liverpool se convirtieron en leyendas. John Lennon poseía una de doce cuerdas que fue especialmente construida para él. Paul Mc Cartney usaba un bajo 4001 estéreo de dos pastillas y George Harrison tenía dos versiones diferentes de la 360 de doce cuerdas. Fue éste el modelo de guitarra que Roger McGuinn utilizó en los primeros álbumes de los Byrds, tras haberse enamorado de la guitarra que George Harrison tocaba en "A Hard Day´s Night".

Durante los años 60, el sonido del rock era el sonido Rickenbacker. Todos los modelos de Rick han ido avanzando y se han añadido otros nuevos durante los años 70, 80 y 90 hasta hoy, en que encontramos las nuevas creaciones, la guitarra "Dakota" y el bajo "Cheyenne", presentados en la feria de Frankfurt de 1993. Por su construcción, los modelos de Rickenbacker gozan del status que solo una leyenda puede tener. Su perfección en los acabados y la precisión de sus mecanismos hacen de estos instrumentos algo realmente único. Todos los productos de Rickenbacker están construidos a mano, de principio a fin, la habilidad de los artesanos que construyen, y la calidad de sus componentes son la mayor garantía que se puede ofrecer. La selección de la madera es la primer paso. Es un largo proceso que conjuga la experiencia y el cuidado, con la responsabilidad que supone elegir una calidad constante en cada instrumento. Los mástiles y cuerpos son de arce del tipo Eastern Rock, en los que se han torneado previamente unas cavidades sonoras que son las que hacen que el sonido resulte uniforme. En el incrustado de los trastes en los diapasones de palo de rosa tampoco se usan máquinas, sino que es otro proceso manual que asegura la colocación exacta de cada uno de ellos y su extrema duración. Antes del pintado, cada instrumento es sometido al largo proceso de lijado a mano, en el que se utilizan finísimos papeles de lija de forma progresiva para asegurar un acabado perfecto. El pintado y encerado es el siguiente paso. Este proceso también es realizado a mano con sumo cuidado y además, mientras otras compañías emplean alrededor de quince minutos en ello, no hay instrumento de Rickenbacker en el que se emplee menos de una hora y cuarto. el resultado salta a la vista, no existe un acabado igual. Por ultimo, la instalación electrónica en la que experimentados ingenieros colocan a mano cada puente, pastilla, clavija y conexionado. Todo es ajustado con máxima precisión, este es el único camino para llegar a una verdadera obra de arte.

ERNIE BALL 1930 - 2004

LOS INICIOS DE ERNIE BALL

En 1958 Ernie Ball abrió una tienda pequeña  música en Tarzana, a unas pocas millas de Hollywood y fue la primera que se especializó sólo en la venta de guitarras porque era lo único en lo que quería especializarse. Sus clientes fueron, no obstante, los responsables de que Ernie comenzara a tener una reputación más allá de Tarzana. Uno de sus primeras inquietudes en su época en la tienda era la dificultad que tenían los estudiantes para presionar la tercera cuerda del juego más popular que se comercializaba; el Fender *100 Medium. La tercera cuerda a diferencia de las estándares actuales tenía un calibre de .029 y ocasionaba molestias en los jóvenes estudiantes. Ernie llamó a su representante de Fender, Tom Walker, y le invitó a comentarle a Leo Fender sobre este problema. Éste, por el contrario, respondió que sus guitarras no permitían calibres más finos porque sino tendrían problemas de trasteo y no estaba tampoco por la labor de rediseñar las barras de tensión de las guitarras.  Ante esta negativa Ernie habló con un fabricante de cuerdas para que le fabricarán algunos juegos personalizados en los que la tercera 029 fuera una de 024.  En la década de los 60, en plena explosión de la guitarra rockera, más y más gente compraban un juego y cambiaban la sexta cuerda por otra más delgada y esto obligaba a que el resto del juego fuera también de calibres más finos. Ernie, que empezó a obsesionarse con la poca oferta de cuerdas del mercado, pensó que debería existir un juego especial para este estilo así que volvió a contactar con Tom (Fender) para que trasladara la idea a Leo. Nuevamente Leo renunció a esto,  así que contactó con la gente de Gibson y tras intentar hablar personalmente con ellos recibió también una negativa por parte de ellos a realizar estos juegos especiales. Así , Ernie tomó la decisión de hacerlo él en lo que fue el embrión del primer juego Slinky (Regular 10-46). Al principio estas cuerdas sólo fueron vendidas localmente en su tienda y Ernie empezó a desarrollar la idea de poder personalizar o dar la posibilidad a  los guitarristas de personalizarse su juego de cuerdas. Para ello hizo fabricar un expositor de cuerdas y ordenó que hubieran de todos los calibres, desde .008 hasta 0.024 en cuerdas lisas y de .018 hasta .058. Este expositor creó muchísima expectación en todos los clientes que lo testaban hasta que el legendario Merle Travis las empezó a usar en sus giras. Ante la pregunta de que cuerdas usaba la respuesta era “Ernie Ball” y la repercusión que empezó a tener en ese momento originó una demanda que ha ido creciendo hasta el día de hoy. Actualmente los productos Ernie Ball, entre ellos Music®Man, pueden encontrarse en más de 5000 tiendas y son exportados a más de 67 paises.

ERNIE BALL y MUSIC®MAN

A principio de los años ochenta Ernie y Sterling vieron la oportunidad de fabricar guitarras eléctricas completamente americanas (muchas de ellas se estaban fabricando en Korea, Japón y México) combinando la más moderna tecnología junto a las viejas técnica de manufacturación artesanal y dando como resultado un producto de altísima calidad y de una inmejorable manufacturación.

En 1984, la compañía Music®Man sale a la venta. Esta compañía tenía una sólida reputación tanto por sus bajos como por sus amplificadores y Ernie consideró una excelente oportunidad para iniciar su proyecto la adquisición de esta compañía a finales de 1984.

Hoy en día Music®Man es una marca dentro de Ernie Ball Company cuya mayor representación y logro en el mercado es ser la compañía Nº1 en ventas en USA de cuerdas de guitarra y bajo.

LOS BAJOS

STINGRAY

Cuando fue introducido en 1976 por la compañía original,  el StingRay empezó a ser de una manera inmediata uno de los bajos favoritos de los músicos. Fueron los primeros caracterizados por circuitería activa y la configuración registrada de 3+1.

Además características especiales como seis tornillos de anclaje del mástil, cuerpo contorneado, exclusiva barra de tensión , puente mejorado y la más refinada electrónica lo convertían en un producto de inmejorable calidad.

STINGRAY 5
Introducido en 1987, el StingRay 5 fue el primer bajo Music®Man diseñado y construido en San Luis Obispo por el equipo de Ernie Ball. El diseño de este bajo esta basado en el look clásico de las guitarras Silhouette. Una electrónica activa mejorada en repuesta y prestaciones, combina lo mejor del StingRay de 4 cuerdas con las nuevas innovaciones de los diseñadores de Music®Man  .

STERLING

El Sterling es más pequeño y ligero que el StingRay además de tener un mástil ligeramente más delgado. Está caracterizado también  por una pastilla activa con un nuevo sistema de preamplificación  El Sterling fue nombrado en 1993 por la revista Musician como el bajo más innovador.

SILHOUETTE 6 - STRING BASS GUITAR

Afinado una octava más grave que una guitarra convencional, este modelo combina la manejabilidad de una guitarra con la respuesta de un bajo. Doble humbucker que pueden ser conmutadas ofreciendo diez posibles combinaciones.

 
LAS GUITARRAS

SILHOUETTE
En 1986, Music®Man  desarrolló la Silhouette incorporando innovaciones como la varilla de tensión del mástil recubierta de Teflón y un sencillo mecanismo de ajuste que no necesitaba herramientas para su uso así como un ensamblaje de las pastillas sin soldaduras que hacían mas rápido su cambio.

También fue presentado como novedad la configuración "registrada" de clavijas 4+2.

La Silhouette ha probado ser una sólida herramienta de trabajo para guitarristas profesionales incluyendo a Keith Richards y Ron Wood de Rolling Stones. En una entrevista en la revista Guitar Player, Keith Richards definió a la Silhouette como la guitarra mas impresionante desde la Tele o la Strat.

 
STEVE MORSE SIGNATURE
Steve Morse, fundador de Dixie Dregs y de Steve Morse Band es actualmente el guitarrista de Deep Purple y miembro de la revista Guitar Player (Gallery of the Greats).

Steve seleccionó en 1987 a Music®Man para la construcción de su guitarra Signature que es la que utiliza tanto en directo como en estudio.

 
AXIS
Conocida como Edward Van Halen EVH desde Enero de 1990 hasta Septiembre de 1995, la Axis está caracterizada por  un cuerpo de Tilo con una tapa de Arce figurado. Además el mástil está contorneado digitalmente. La Axis está disponible con trémolo Music®Man tipo Floyd Rose.

ALBERT LEE SIGNATURE
Originalmente diseñado en 1987 como un prototipo con una línea nueva y radical, el conocido Albert Lee probó la guitarra e instantáneamente quedo enganchado a ella. Así, se convirtió en su principal herramienta tanto en estudio como en directo. En 1993 EB empezó a ofrecer la guitarra en catalogo como Albert Lee Signature en acabado Pink Sumburst, tres pastillas simples Seymour Duncan ® , mástil en arce y un puente estándar Music®Man . En 1996 fue ampliada la gama con nuevos colores y la opción del trémolo Vintage de MM.

THE LUKE SIGNATURE

También introducida en 1993, la Luke es la guitarra Music®Man  Signatura de Steve Lukater. Caracterizada por una pastilla doble y dos simples activas EMG, trémolo MM Floyd Rose y un mástil en formato V.

Steve utiliza su Luke tanto en estudio, como en directo e indistintamente en sus proyectos en solitario, con la banda Toto o en las colaboraciones con otros artistas. En una reciente entrevista revisión reciente, Revista de Mundo de Guitarra indicó, Esta guitarra tiene la habilidad de inspirar!!!! 

JOHN PETRUCCI SIGNATURE

La guitarra John Petrucci es la última  Signature incorporada al catalogo de MM. Esta guitarra fabricada en expreso según las indicaciones de uno de los guitarristas más aclamados en los últimos años te ofrece el trémolo exclusivo John Petrucci. y patentado por Music®Man , un mástil personalizado con radio de 16”, pastillas DiMarzio fabricadas exclusivamente para John y la opción de piezo eléctrico entre otras.

Sin duda una de las guitarras Signature que más adeptos está consiguiendo.

SILHOUETTE SPECIAL
Esta variación de la Silhouette introducida en 1995, esta caracterizada por un trémolo vintage , clavijeros con bloqueador  y el exclusivo Silent Circuit ® de Music®Man.

Este circuito elimina el ruido de las pastillas simples sin restarle ni brillo ni la respuesta natural de la pastilla. Una versión con cuerdas a través del cuerpo se introdujo en catalogo en 1996.

 
AXIS SPORT

Una de las últimas incorporaciones a la familia Music®Man, la AXIS SPORT proporciona al guitarrista las particularidades de la AXIS con un mástil con escala de 25 ½ y un radio de 10”. Mismo contorno del mástil y disponible tanto en arce como en palisandro. El cuerpo fabricado en fresno ligeros está disponible en una alta gama de colores traslúcidos.

Diferentes configuraciones de pastillas (doble Humbucking, tres simples o dos simples con una humbucking hacen de este instrumento una herramienta verdaderamente versátil para diferentes estilos.

ROTOSOUND

La historia de las ya archifamosas cuerdas Rotosound tiene como en otros casos, una historia muy curiosa. Todo empezó en los años 50, cuando James How, fundador de Rotosound e interprete de violín, se entusiasmó con la cítara, un instrumento de cuerda que aparecía en la película "el tercer hombre". Su sonido le cautivo y le llevó a adquirir una, pero con el juego de cuerdas incompleto. Fue entonces cuando tuvo que ingeniárselas para completarlo, fabricándoselas él mismo. Continuó buscando y restaurando citaras en mal estado que adquiría por poco dinero. Las fue reparando y completando hasta disponer de 250 citaras que después vendió. Con los beneficios obtenidos desarrolló un sistema semiautomático de fabricación de cuerdas. Al cabo de tres años James era ya el primer fabricante de Inglaterra, y puede que del mundo, que poseía una planta semiautomática de bobinado de cuerdas. A principios de los años 60 varias  bandas de rock utilizaron las cuerdas rotosound (sonido de entorchado), dando a estas mismas una publicidad gratuita y una difusión a nivel mundial. Estos grupos son hoy en día legendarios (Jimi Hendrix Experience, The Who, Yes, Led Zeppelin, entre otros). En 1963, muchos bajistas de esa época se quejaban de la falta de tono y nitidez de las cuerdas que hasta entonces se fabricaban, de tipo planas (flatwound). James desarrolló una combinación de Alambre y acero inoxidable con entorchado rugoso (roundwound). Otro adelanto que introdujo Rotosound, fue la cuerda TRU BASS, entorchada en nylon negro sobre alma también de nylon, de la que Paul Mc Cartney de los Beatles era gran adepto, ya que empezó a utilizarla desde el álbum Revolver hasta el último tema que interpretó en directo con la banda, en el tejado de los estudios Apple records, LET IT BE. Jaco Pastorius aporto también mucho al desarrollo de esta marca, ya que se le atribuye a él la decisión de marcar cada cuerda con una seda de un color para su fácil identificación.

Michail Toomas Paiste

Michail M. Paiste

Robert Paiste

Toomas Paiste

PAISTE

Michail Toomas Paiste, Rusia (1901 - 1916) compositor y músico, cuyo padre vino desde Estonia formando parte de la guardia Zarista. Fundó un modesto negocio de música en San Petersburgo y que también incluía la fabricación y la reparación de instrumentos musicales. Durante muchos años prospera hasta que tuvo que cerrar su negocio tras la revolución Rusa del 17.

Michail Toomas vuelve a su país nativo, Estonia (1917 - 1939), y abre de nuevo su negocio, en la ciudad de Tallinn. Es aquí,  junto con su hijo Michail M. Paiste, donde comienza a diseñar y a fabricar platos de concierto y de banda de marcha. Michail M. Paiste toma con fuerza el timón de la nueva empresa y le da un importante impulso, asumiendo así el control eventual de la empresa. Intentando resolver rápidamente las demandas de desarrollo de la "música moderna" y del sistema del tambor que emerge, el hijo comienza a desarrollar su propio concepto especial para los platos de estilo turcos, y que él prefiere, como punto de partida, sobre el estilo chino. Es durante este tiempo que también desarrolló los primeros gongs. Los instrumentos que resultan de su trabajo reciben el reconocimiento internacional, mientras que comienzan a ser exportados a Europa, E.E.U.U. y otros continentes.

Los acontecimientos de la 2ª guerra mundial fuerzan a Michail M. a salir de Estonia para dirigirse a Polonia, (1940 - 1944), donde vuelve a reestablecer el negocio de la familia. La compañía lucha con la escasez de las materias primas que produjo la guerra, además de la dificultad en mantener las relaciones internacionales, pero logra sobrevivir.

Hacia el final de la guerra, Michail M. Paiste y su familia escaparon de Polonia como refugiados, llegando a Alemania del norte (1945 - Presente), donde por tercera vez comienza a producir platos y gongs. La reputación conseguida años anteriores restablece las relaciones empresariales y se asegura así, durante los años 50, un fuerte desarrollo de su empresa y un gran negocio de exportación.

Michael M. Paiste establece una fabrica en Suiza (1957 - Presente), formando parte de ella una tercera generación de la familia, los hijos Roberto y Toomas, y que se convierte en la base de las demás compañías para el desarrollo futuro. Una nueva era comienza mientras que Roberto y Toomas hacen Paiste Suiza el centro de sus actividades económicas internacionales.

La compañía gana un equilibrio firme en el mercado mundial del instrumento musical con el establecimiento de Paiste América en los E.E.U.U.

En 1995 Paiste vuelve literalmente a casa otra vez, reestableciendo una compañía en Estonia, después de una ausencia de más de cincuenta años. El mismo año, una firma se funda también en España.

PARKER

Como todo el mundo sabrá estas guitarras no son precisamente las de Alejandro Sanz, sino las de Ken Parker, prestigioso luthier

BIGSBY

En los años 40, Paul Adelburt Bigsby era un capataz experto en una tienda de motos de Los Ángeles, que poseía Albert Crocker, famosa Motocicleta de la Crocker Company. El interés de Paul en las motocicletas y en la música occidental le puso en contacto con Merle Travis. Ambos eran moteros y fervientes amantes de la música, Paul y Merle se hicieron grandes amigos. Durante este tiempo, Merle mostró su guitarra Gibson L-10 a Paul, con un vibrato Kaufman que no permanecía en consonancia, por lo que Merle sugirió a Paul: "puede usted fijar esto para mí?" y Paul contestó:. "puedo fijar cualquier cosa". Pero viendo los defectos del vibrato de Kaufman y con la sugerencia de Merle, decidió rediseñar un nuevo mecanismo completo que trabajó perfectamente. Este dispositivo fijó el estándar, y se convirtió en la mejor opción de vibrato para la mayoría de los fabricantes de guitarras del mundo desde entonces hasta hoy.

Un día de finales de 1946, Merle y Paul A. Bigsby almorzaban juntos en Pasadena. Merle, había realizado unos bocetos con una idea nueva para una guitarra y se lo mostró a Paul. "puede usted hacer esto...?". Paul A. Bigsby le contestó que podía hacer cualquier cosa.¡Y de hecho, pudo hacerlo! El dibujo que realizó, de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido y con las seis clavijas afinadoras en un lado de la pala, fue construida al año siguiente y tocada por Merle en grabaciones, radio y en conciertos públicos. A muchos les llamó la atención esta guitarra, tanto en sonido como en forma, lo que interesó tanto a músicos como a constructores, a famosos y no tan famosos. Esta guitarra compacta cambió el sonido y la forma de ver la guitarra para siempre. Billy Byrd, Butterball Paige y Grady Martin, son algunos de los nombres que pidieron una copia de esta guitarra, y Paul instaló la tienda en un edificio pequeño construido al lado de su casa en la calle Phlox de Downey, California. Ese mismo año, un guitarrista local legendario de "steel Guitar", Joaquín Murphey, le pregunto a Paul si podía construir para él una guitarra de acero, con lo que le contestó con su habitual actitud:  "puedo construir cualquier cosa", Paul construyó la mejor Steel guitar vista hasta la fecha y le fue entregada a Joaquín en 1947.

Rápidamente, otro guitarrista de steel guitar visitó la tienda de Paul, para  la construcción de una guitarra de acero, pero esta vez con pedales. El 8 de febrero de 1948, la guitarra fue acabada con un triple mástil y 4 pedales. Tanto el boca a boca como el sonido de estas nuevas guitarras de acero viajaron, y más músicos desearon una para sí mismos.

Cuando Bud Isaacs tocó con su nueva Bigsby de pedales en la canción "Slowly" de Webb Perce, la mayoría de los "steelers", supieron que debían tener una.

Los instrumentos de Bigsby fueron construidos sobre una base de encargo, él no podría continuar con los pedidos pendientes de una lista que esperaba entre dos o más años seguidos. Durante varios años se intentaron construir una guitarra al mes. El Bigsby Vibrator tomó más y más de su tiempo, y la fabricación del instrumento disminuyó.

En 1965, Paul tuvo algunos problemas de salud y decidió vender su compañía. Llamó a su viejo asociado Ted McCarty, el presidente jubilado de las guitarras Gibson. Ted compró la patente y el nombre de Bigsby el 1 de enero 1966. En 1968 Paul quedó alejado del negocio.

El 10 de mayo de 1999, la Gretsch Guitar Company compró los accesorios de Bigsby a Ted McCarty.

Paul Bigsby no tenía ningún libro de registro ni archivos. ¿Cuántos instrumentos hizo Paul ? Nunca lo sabremos exactamente. Después de 15 años de investigación, podemos documentar solamente 47 steel guitars, seis guitarras estándares, una guitarra tenor, dos guitarras de doble mástil, dos mandolinas y seis reemplazos de mástil que todavía existen hoy. ¿Hay otros en un armario o debajo de una cama que esperan ser descubiertos ? Solo Podemos esperar... Todos los instrumentos de Bigsby están altamente cotizados hoy en día.

BOB MOOG

Robert A. Moog (23 de mayo de 1934, Nueva York — 22 de agosto de 2005) fue un inventor estadounidense. Es famoso por crear, junto con otras personas el sintetizador, instrumento musical con el que se pueden crear una gama prácticamente infinita de sonidos. De pequeño, estudió piano siguiendo los deseos de su madre, no obstante nunca pensó en dedicarse a la música, prefirió seguir los pasos de su padre, George Moog, ingeniero eléctrico en la compañía Edison. El niño mostró interés por la electrónica y, desde los diez años, su hobby era construir instrumentos musicales electrónicos. De hecho, a los 15 años, en 1949, vio un artículo en una revista sobre cómo construir un theremín y animado por su padre, Bob lo construyó. A partir de entonces, siempre con la experta ayuda de su padre, Bob se dedicó a construir teremines, que luego vendía. Incluso, años después, en 1954, estableció su propia compañía, la R.A. Moog Co. para la fabricación y comercialización de teremines, que se distribuían bajo la fórmula de "hazlo tú mismo". Se mandaban las piezas junto con su manual de montaje. El precio de la unidad era de 50 dolares. Este negocio, permitió a Bob y a su padre, con el que estaba asociado, amasar una pequeña fortuna.

Aunque, durante casi diez años, Bob se dedicó exclusivamente a fabricar teremines, continuó sus estudios, al tiempo que tocaba el piano en un cuarteto de música de baile. En cuanto a su formación, Bob estudió el bachillerato en la Escuela de Ciencias del Bronx, física en el Queens College, luego ingeniería eléctrica en la Universidad de Columbia y, finalmente, un doctorado en ingeniería física en la Universidad de Cornell en 1965.

Cuando tenía 20 años, mientras concluía su doctorado en Cornell, conoció a Raymond Scott, un prestigioso pianista, conocido por ser el compositor de las melodías de muchos de los dibujos animados de la Warner. Ambos compartían su interés por los instrumentos musicales y Scott mostró a Moog uno inventado por él, el electronio (electronium), que era capaz de generar melodías de forma aleatoria. Aquel instrumento puso a Bob tras la pista de la sintetización de sonido.

Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Moog Modular Synthesizer

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y música, fue presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el negocio despego.

La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años y Bob diseño y comercializo nuevos modelos, como el Minimoog una versión portátil del moog o el Moog Taurus que introducía un pedal para controlar con más facilidad un sonido que imitaba al del bajo.

Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.

Bob, no se dio por vencido y, al año siguiente, en 1978 fundó su segunda compañía, la Big Briar, especializada en la fabricación de instrumentos a medida y cajas de efectos de sonido. Compaginaba este nuevo negocio con la enseñanza. Fue contratado como profesor para la Investigación musical por la Universidad de Carolina del Norte, ubicada en Asheville. Por este trabajo se instaló en la ciudad y como profesor empezó a dar conferencias en todo el mundo, siendo muy solicitado por su gran aportación a la música electrónica.

En 2002, volvió a trabajar de tiempo completo como investigador para la Moog Music, marca que pudo recuperar después de una batalla legal y, en 2003, comenzó a producir una nueva versión del Minimoog llamada MiniMoog Voyager. Entre sus clientes en esta segunda etapa figuraban grupos tan emblemáticos como Pearl Jam y Maroon 5.

Bob Moog falleció en su casa de Asheville (Carolina del Norte) de un tumor cerebral el 22 de agosto de 2005. Moog falleció cuatro meses después de que le fuera diagnosticado un cáncer cerebral que no podía operarse. Desde abril, recibió radiaciones y quimioterapia, pero finalmente el cáncer lo venció.

Su familia ha establecido en su memoria el Fondo Conmemorativo Bob Moog, dedicado al Avance de la Música Electrónica.

MARTIN

VOX

MESA BOOGIE

SEYMOUR DUNCAN